Классический танец (балет) и хореография для взрослых, начинающих и продолжающих
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающиххореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
Классический танец доступен каждому.
Попробуйте себя в балете!

хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих Уроки хореографии для всех:
для взрослых, начинающих с любыми данными.
Индивидуальные занятия и минигруппы 2-3 чел.,
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих любое время (утро, день, вечер, выходные).
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих Тел. (985) 640-64-16, м. Тимирязевская
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
Добавить в избранное   Сделать стартовой
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
Классы
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
Новости
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
Видео
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
Словарь
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
Уроки балета
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
Контакты
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих  Обучение хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих  О балете хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих  Учебное видео хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
Академия русского балета (Хореографическое училище имени А. Вагановой)
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
Московская государственная академия хореографии
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
Пермский государственный хореографический колледж
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих Другие классы
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих  Навигация по сайту хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
Лента новостей
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
Контакты, обратная связь
Обмен ссылками о танцах, хореографии, классическом танце, балете
Отзывы и пожелания
Обмен ссылками о танцах, хореографии, классическом танце, балете
Поиск минигруппы
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих   хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
хореография для всех, классический танец для взрослых, балет для начинающих
11/07/2009 Материалы о балете.

Кузнецов В.Г., Кузнецова И.Д., Миронов В.В., Момджян К.Х. Философия

Искусство танца относится к древнейшим синтетическим искусствам. Его основным выразительным средством является движение, жест. Движения могут быть как подражательными, имитирующими, так и условными, обобщенными, - но в любом случае они выражают эмоциональное состояние, при их помощи создается художественный образ.
Первоначально танец не имел самостоятельного значения, а был частью обрядовых действий, элементом религиозных ритуалов или празднеств. Он исполнялся коллективно и не был специально предназначен для восприятия со стороны, публикой. Со временем наряду с народным танцевальным искусством выделилось искусство профессионального танца. Первые профессиональные танцоры появились в античности, но лишь к XVIII в. сформировался такой вид музыкального театра, в котором выразительные средства хореографии дополнялись музыкой, изобразительным искусством, режиссурой, - балет.
Балет представляет собой синтез множества искусств; в основе его лежит литературное произведение - либретто. Ведущая роль наряду с танцем принадлежит музыке, используется пантомима, приемы актерской игры драматического театра. Можно с гордостью сказать, что русская балетная школа, сформировавшаяся как самостоятельная в XVIII в., и по сей день остается весьма авторитетной и успешно конкурирует с другими известными национальными школами. Многие зарубежные исполнители учились и стажировались именно в России.
Наряду с классической балетной школой существует ряд новаторских направлений, смело сочетающих язык классического танца с пантомимой, использующих неожиданные сюжеты и современную музыку. Буквально на наших глазах родилось и сделало большие успехи искусство телевизионного балета (кинобалет). И это очень важно, поскольку любое театральное искусство мимолетно, жизнь спектакля исчисляется реальными часами действия в сценическом пространстве. Киносъемка позволяет запечатлеть и сохранить, а значит и спасти от забвения, работы талантливых мастеров балетного искусства.
Балетный спектакль строится по законам театрального действия. Сюжетная линия балета чаще всего легенда - сказочная, фантастическая, лирическая, героическая история, рассказанная языком танца. В спектакле всегда много самостоятельных танцев - сольных, дуэтных, массовых, которые позволяют солистам и танцовщикам кордебалета продемонстрировать свое мастерство. Именно эти фрагменты известных балетов, как правило, включаются в концертные программы как самостоятельные номера.
Элементы хореографии используются и в других разновидностях музыкального театра - опере, оперетте - и несут весьма значительную эстетическую нагрузку. Драматический театр также часто обращается к искусству танца (особенно при постановке комедий, водевилей) для придания спектаклю большей динамичности, выразительности.
Язык танца доступен и понятен всем людям, пусть даже они принадлежат к различным национальным культурам, живут на разных континентах. Танец, как и музыку, можно назвать универсальным средством межнационального и межкультурного общения.
Театр относится к синтетическим формам художественного творчества. Эстетический образ создается здесь путем соединения выразительных средств различных видов искусства, и трудно сказать, какое из них главное. Специфику театра обусловливают игра актеров, сценическое действие, режиссерское искусство. Но театр невозможен без пьесы, т.е. литературной, драматургической основы. Оформление спектакля требует обращения к изобразительному искусству, а эмоциональное воздействие спектакля еще более усиливается благодаря музыке. Часто элементом драматического спектакля становится хореография. Все это, вместе взятое, и создает театр - искусство коллективное, причем не только в сфере творчества, но и в аспекте восприятия. Коллективное творчество создателей спектакля дополняется коллективным сотворчеством публики.
Театр - это жизнь, происходящая в сценическом пространстве на глазах у зрителей и построенная по законам данного вида искусства. Здесь сплетаются реальное и условное. Сцена, декорации, костюмы, грим и другие средства выразительности являются символами - времени и места действия, эпохи, национальной культуры, национальных традиций. Но все, происходящее в этих "искусственных" условиях, реально до такой степени, что зрители, сидящие в зале, порой плачут, сопереживая героям, радуются вместе с ними, готовы прийти к ним на помощь.
В основе театрального действия лежит игра актера - искусство перевоплощения. На сцене актер как бы перестает быть самим собой и входит в образ персонажа. Внешность, голос, манера двигаться и говорить, речь и чувства не принадлежат теперь только актеру. Он сам принадлежит театру и становится "материалом", из которого режиссер "лепит" художественный образ. Иногда актера сравнивают с инструментом, который, находясь в умелых руках музыканта, может сыграть любую мелодию.
Театральная условность не должна мешать восприятию спектакля, она должна подчеркивать главное, эстетически значимое - драматический конфликт, характерные особенности времени и места действия и т.д. Это возможно, если не нарушена та мера условности, которую способен воспринять зритель. В противном случае спектакль превращается в схему, воспроизводящую сюжетную канву пьесы и обедненную в художественном отношении.
В истории театрального искусства существовало множество различных направлений и школ. Назовем наиболее известные из тех, которые созданы режиссерами отечественного театра.
Система Станиславского, в основе которой лежит теория о перевоплощении актера, вживании его в образ - физическом, эмоциональном, психологическом. Актер как бы отождествляет себя с героем пьесы, проживает на сцене отрезок чужой жизни. Совершенно противоположна ей система Вахтангова, которая рассматривает театральное действие как игру, в которой увлеченно и даже азартно участвуют актеры. Они исполняют свои роли, ни на минуту не забывая, что это - игра. Дистанция между образом и исполнителем постоянно сохраняется. Человек-актер не перестает быть собой, играя человека-персонажа. И если у Станиславского театр - жизнь, то у Вахтангова театр - игра. Нельзя не сказать и о новаторских исканиях и режиссерских опытах Мейерхольда, получивших название биомеханики. Традиционным методам театральной игры здесь противопоставлены новые непривычные и неожиданные приемы.
Три названных направления продолжают жить в современном театральном искусстве, сосуществуя и соперничая с другими новейшими системами. Эта конкуренция весьма положительно сказывается на развитии сценического искусства, которое находится в постоянном поиске новых форм.
Помимо драматического существуют и другие виды театра - музыкальный (опера, оперетта, балет), кукольный, пантомимы, теней, зверей и т.д. Все разновидности театрального искусства сохраняют популярность и поддерживают интерес публики к этому древнему и всегда современному виду художественного творчества.


Маньковская Н. Б. Эстетика постмодернизма 2000

Идея «кодекса жестов» оказалась созвучной исканиям создателей различных направлений постмодернистского балета: Стива Пэкстона, Триши Браун, Поппо Шираиши и Алвина Эйли в США, Пины Бауш в Германии, Регины Шо пино во Франции, Анне де Кеерсмакер в Бельгии, Роберта Коэна в Англии, Мина Танаки в Японии, Аллы Сигаловой, Геннадия Абрамова, Ольги Бавдилович в России. Ими были переосмыслены элементы модернистской танцеваль ной лексики М. Бежара, Д. Кранко, М. Грэхем, неокласси ческой — Д. Баланчина, С. Лифаря, И. Килиана, драмба летно-симфонистской — Д. Ноймайера, Р. Пети — признанных лидеров современной хореографии, не чуждых постмодернистским экспериментам в собственном творче стве. Цитатно-пародийное соединение элементов свобод ного танца, джаз-балета, танца модерн, драмбалета, пан томимы, акробатики, мюзик-холла, народного танца и балетной классики, их исполнение без музыкального со провождения либо в сочетании с сольным и хоровым пением, речитативом, «уличными» звуками, смешение бытовой и игровой стихии передают резкие перепады настроений, взрывы эйфории и приступы меланхолии как символы дис гармоничной гармонии бытия.
Для постмодернистских балетных исканий свойствен на сосредоточенность на философской природе танца как синтеза духовного и телесного, естественного и искусственного, прошлого и настоящего. Полемизируя с эстети кой авангарда, постмодерн возвращает в балет эмоцио нальность, психологизм, усложненный метафоризм, «оче ловечивает» героя. Это подчеркивается включением в балетное действо элементов театральной игры, хэппенин гов, танцевальных соло и дуэтов, построенных по принципу крупных планов и стоп-кадров в кино. Игровое, импровизационное начало подчеркивает концептуальную ра зомкнутость, открытость хореографии, ее свободный ассоциативный характер. С этим связаны принципиальный отказ от балетмейстерского диктата, установка на равно значную роль хореографии и музыки — балетной и неба летной.
Выражением подобного эстетического поворота в балетной технике стал отказ от фронтальности и центрично сти, перенос внимания на спонтанность, импровизацион ность; акцент на жесте, позе, мимике, динамике движения как основных элементах танцевального языка; принцип обнажения физических усилий, узаконивания внетанце вальных поз и жестов с помощью таких характерных при емов, как падения, перегибы, взлеты; интерес к энерге тической природе танца, психосоматическим состояниям радости, гнева, телесной истерии; эффект спресованно- разреженного танца, достигаемый контрапунктом плавного музыкального течения и рваной ритмопластики, вязкой, плавной, широкой линии движения и мелкой, дробной, крупнокадровой жестикуляции; соединение архаической и суперсложной техники (бега по кругу и ритмопластиче ского симфонизма, сквозных лейтинтонаций).
Наиболее развитыми в постмодернистской хореогра фии являются тенденции чисто пластического экспери ментирования, сосредоточения на раскрытии механизма движения человеческого тела (Т. Браун), а также соедине ния танцевальной и спортивной техники. В хореографиче ском боксе Р. Шопино экипированные в боксерскую фор му танцовщики демонстрируют на ринге владение как классическим танцем, так и спортивными приемами, созда вая под музыку Верди и Равеля атмосферу опасного искусства, чья жестокая, яростная красота свидетельствует о метаморфозах традиционных эстетических ценностей.
Для мозаичной постмодернистской хореографии свой ственна новая манера движения, связанная с восприяти ем тела как инструмента, обладающего собственной музыкой. Телесная мелодия может звучать и в тишине. Стиль «оркестровки танцовщика» А. Прельжокажа (Франция) основан на выявлении характера, индивидуальности ис полнителя, сближает балет и драматургию. Сравнивая та нец с вазой, свет — с наполняющей ее водой, а костюмы и декорации — с украшающими ее цветами, Прельжокаж подчеркивает, что у вазы — собственная ценность и красота, лишь оттеняемая дополнительными аксессуарами. Однако она не тождественна классическому балетному культу прекрасного как утонченной стилизации: постмодернистская концепция красоты танца вбирает в себя неевропейские, неклассические принципы танцевальной эстетики. Чувственная раскрепощенность, гротескность, хаотичность, сближение с бытовой пластикой создают но вый имидж балетного искусства как квинтэссенции полилога культур.
Действительно, постмодернистский балет вбирает в себя элементы танцевального искусства Востока (индийский классический танец бхарат-натьям, современный японский танец буто), приемы ритмопластического фоль клора американских индейцев, афро-карибскую танцеваль ную технику. Мозаическое сочетание римейков йоговской медитации и античной телесной фактурности, классиче ских па и полиритмизма рэгтайма, хай-лайфа, джайва, суинта, брейка, фламенко, кантри-данса — танца и музыки разных культур, эпох, социальных слоев — создают мир постмодернистского «абсолютного танца» как следа наше го времени, запечатленного в микро- и макромире, жизни самой природы. «Бродвейский» дух американского постмо дерн-танца с его ориентацией на национальную привер женность мюзиклу оказал обратное воздействие на евро пейский балет. Если в свое время американские балетмей стеры перенесли на национальную почву принципы бежаровской хореографии, то в 1998 году М. Бежар поставил балет «Дом священника не потерял своего очарования, а сад — своей роскоши» как масскультовское действо, живо напоминающее мюзик-холльность А. Эйли.
Ироническая ритуальность балетного постмодерна во многом связана с его «посланием» публике. Принципы удо вольствия, радости, человеческих контактов со зрителями легли в основу концепции балета как «живого спектакля», исходящей из идеи танца как образа жизни. Многое здесь напоминает принципы тотального театра П. Брука и Е. Гро товского. Стирание граней между театром и повседневной жизнью в балетном варианте рождает феномены танцов щика-фермера (стиль буто М. Танака и его группы «Майд зуку»), не отделяющего свое искусство от тяжелого сель ского труда.
Эксперименты в области обонятельного, осязательно го и вкусового воздействия на зрителей также являются характерными атрибутами постмодернистских поисков новой чувственности.
«Придите и возьмите эту красоту, пока она горяча», — так называется одна из хореографических композиций А. Эйли. Постмодернистская балетная эстетика сосредо точена на идее целостности жизни, объединяющей микро- и макрокосм, человека и природу в большом историческом времени.
<...> Другая сторона современной моды — ориентация на андрогинность, транссексуализм. Имидж Майкла Джексона как певца без пола, расы и возраста свидетельствует о постмодернистских трансформациях «американской мечты». Пародийный вариант смешения мужского и женского — нью-йоркский мужской балет, где троки (исполнители женских партий), носящие имена «Нина Енименимыномо ва» или «Карина Грудь», называют своим «почетным гуру» Мариуса Петипа. Лишенная самоиронии и во многом эпигонская имитация подобного стиля — санкт-петербург ский мужской балет В. Михайловского, выступления Пре снякова-младшего.
Таким образом, расширение сферы бытования симу лякров, перетекающих из художественной области в действительность — новая черта современной культурной ситуации. Впрочем, симулякры «этих смутных объектов желания» уже стали достоянием обыденного сознания бла годаря таким телесериалам, как «Твин Пикс» Д. Линча...
Еще один признак новой чувственности — внедрение в искусство «готовой реальности», вырванной из жизни, через жест, ритуал, хэппенинг. Немецкий выразительный танец П. Бауш создает психиатрически точные симулякры человеческих аффектов, неврозов, психозов, фобий, строя эстетику своего тотального театра на бытовых позах, нетрадиционных данных танцовщиков, воплощающих в себе внешность и пластику «человека с улицы». Дерзко противопоставляя классическим представлениям о балете как романтическом воплощении красоты тела, грации движений некрасивое и даже уродливое, грубое, бесстыдное, П. Бауш создает своего рода постмодернистский ан тибалет, где есть место и пению, и декламации, и дансант ности, и драмбалетной фабуле, и даже иронично модерни зированному театральному амплуа героя-любовника, резо нера, субретки, страдающей героини и т. д. «Безумие считать, что в танце должна существовать какая-то норма, на которой построен классический балет, а все остальное — это не танец. Танец может жить в любых формах. Главное — это точность пластического выражения мысли, эмоции. И дело, здесь, конечно, не в технике классического танца, а в жесте, выражающем сущность происходящего с чело веком. Ведь и классический балет существовал раньше в жестах, но об их смысле, о том, откуда они взялись, мно гие танцоры сейчас просто понятия не имеют», 53 — полагает она. Симулякр в ее искусстве — путь «безыллюзорно го поиска действительной природы вещей».
Другую трактовку симулякра предлагает французский хореограф А. Прельжокаж. Его версия дягилевских шедев ров — «Парад», «Видение розы» и «Свадебка» — своего рода симулякр в симулякре. Программа в целом — симу лякр знаменитых русских сезонов, деконструкция эстети ки «Мира искусства». В каждом из одноактных балетов предложен свой вариант разборки и сборки дягилевской хореографии. Так, обрамленный намекающей на музей ность рамой «Парад» — гибрид балета и цирка, симулякр хэппенинга, построенный на бесконечном дефилировании взад-вперед, напоминающем уличное движение. Эпатаж ное «Видение розы» — симулякр видения, двойной, двой ственный, «махровый» сон во сне, призрак бисексуального двойничества. «Свадебка» — лесбийский симулякр свадьбы с куклой-невестой, слияние Эроса и Танатоса. Прельжокаж обращается не только к смысловым, но и аудиовизуальным симулякрам — от иронических стилизо ванных псевдорусских костюмов до внесения в классичес кое музыкальное сопровождение песен a la russe и «цыганщины». Предложенная им гирлянда симулякров — одно из свидетельств «ожирения» последних, достаточно новой для художественной практики тенденции самоироничной деконструкции механизма симуляции.


Севостьянов Г.Н. История США (1918-1945) Т.3. 1985

В 30е годы в США проведена большая работа по пропаганде совет ской музыки. Крупнейшие американские театры, оркестры и дирижеры включают в свои программы произведения советских композиторов. В 1934 г. в Кливленде, НьюЙорке и Филадельфии была поставлена опера Д. Д. Шостаковича «Леди Макбет Мценского уезда». На откры тии сезона 1935/36 г. НьюЙоркской филармонии была исполнена Пер вая симфония Шостаковича под управлением Отто Клемперера. Лео польд Стоковский исполнил Седьмую и Тринадцатую симфонии Н. Я. Мясковского, отрывки из балета «Красный мак» Р. М. Глиэра.
Под лозунгом создания прочных позиций национального американ ского балетного искусства развертывается деятельность хореографов и композиторов США. В 30е годы возникли первые национальные балет ные труппы и школы. Большая роль в становлении и развитии балет ного искусства США принадлежит русским хореографам и танцовщи кам — Дж. Баланчину, Л. Мясину, М. Мордкину, А. Больму и др. Вос питанники первой балетной школы США, организованной в 1933 г. Л. Кирстейном при участии Дж. Баланчина, составили труппу «Амери канский балет», позднее переименованную в «НьюЙорксити балет». Затем возникают балетные труппы в Чикаго, Филадельфии и других городах. В конце 30х годов появляются национальные хореографы — Агнесс де Милль, Рут Пейдж, Юджин Лоринг, Кристиан Литлфилд, Лью Кристенсен, Джером Роббинс, Роберт Джоффри и др.
В эти годы создаются и осуществляются постановки балетов на американские темы. Среди балетов на сюжеты из американской жизни можно назвать «Свободные от мечтаний» Л. Бернстайна (хореография Дж. Роббинса), «Подводное течение» У. Шумена, «Игры» М. Гулда, «Случайная история» У. Риггера. Американский балетный театр осуще ствляет ряд постановок на основе американской инструментальной музыки, например «Век тревог» Бернстайна, «Салун в Мехико» Копленда и др.
Одним из ведущих «балетных» композиторов американские музыко веды по праву считают Копленда. В стремлении этого композитора свя зать музыку со смежными искусствами проступает характерное для прогрессивного американского искусства 30—40х годов обращение к широкой аудитории. Три балета Копленда — «Родео», «Биллипарень» и «Аппалачская весна», созданные в эти годы в тесном сотрудничестве с американскими хореографами (А. де Милль, Ю. Лорингом, М. Грэхэм), составляют вершину творчества композитора. В балетах отразились ти пичные черты и сюжеты из жизни страны: в «Родео» — состязание и игры ковбоев, в «Биллипарень»—легенды американских прерий Даль него Запада, в «Аппалачской весне» — народнобытовые сцены из жизни первых американских поселенцев в Новой Англии. Музыка балетов тес но связана с ковбойскими песнями, пуританскими хоралами и мелодия ми в стиле кантримьюзик. Интерес к ковбойской тематике способство вал рождению так называемого жанра вестерн, занявшего прочное место в американской литературе, кинематографе, театре и музыке.

БАЛЕТ: БАЛЕТ В США
В конце 19 в. балетные сцены можно было увидеть только в составе спектаклей, именуемых "экстраваганца", которые еще сохранялись на американской сцене. Это были роскошно обставленные музыкальные представления, которые шли на сцене оперных театров после самой оперы, так что танцевальная часть спектакля начиналась примерно в 11 или 12 часов. Оперные театры приглашали для исполнения ведущих ролей в этих балетах балерин из Европы, и некоторые из них оставались преподавать в Америке. Так в разных городах появились школы и небольшие любительские труппы.
Русские артисты, работавшие в составе балетных театров Дягилева или Анны Павловой, стали открывать в Америке студии, как, например, Адольф Больм, Михаил Мордкин (1880-1944) и Фокин. Ряд трупп, созданных в Европе в надежде повторить достижения Дягилева, оказали влияние на американский балет. Одна из них, носившая некоторое время название "Русский балет полковника де Базиля", в 1933 выступала в США, где ее представлял знаменитый импресарио Сол Юрок. Другая труппа, исторически связанная с упомянутой и носившая название "Русский балет Монте-Карло", в какой-то момент обосновалась в США.
В 1942 Агнес де Милль (1909-1993) поставила здесь балет Родео, а в 1946 Баланчин - Сомнамбулу, после чего коллектив просуществовал на положении передвижного до начала 1960-х годов.
Первые основанные в Америке балетные труппы появились в 1930-х годах: это "Литлфилд балле" в Филадельфии и "Сан-Франциско балле". Два крупнейших американских балетных театра - "Нью-Йорк сити балле" и "Американ балле тиэтр" родились в результате взаимодействия русской традиции и американских предприимчивости и упорства, проявленными в первом случае Л.Керстайном, а во втором - Люсией Чейз. Нью-Йорк сити балле.
В 1933 Линкольн Керстайн (1907-1996), состоятельный и просвещенный молодой человек, пригласил Баланчина создать в США балетную труппу. Вдвоем они основали Школу американского балета, затем в 1934-1948 занялись формированием профессионального постоянно действующего коллектива. Усилиями Керстайна были поставлены первые балеты на американские сюжеты - в 1938 Заправочная станция (Filling Station) Лью Кристенсена (1909-1984) (музыка В.Томсона) и Парень Билли (Billy the Kid) Юджина Лоринга (музыка А.Копленда).
В то время как Керстайн бросил все силы на создание национальной труппы, Баланчин одновременно осуществлял постановки для различных танцевальных коллективов, мюзиклов на Бродвее и фильмов в Голливуде. Когда "Балле сосайети", организация, основанная им в 1946 как некоммерческая и существовавшая на деньги подписчиков, была приглашена в 1948 в "Нью-Йорк сити сентер" и вошла в качестве постоянной труппы в состав этого театра, родился "Нью-Йорк сити балле". В 1964 он получил здание "Нью-Йорк стейт тиэтр" в комплексе Линкольн-сентер.
Школа американского балета все эти годы не прекращала работы, и поэтому новая труппа регулярно пополнялась хорошо обученными танцовщиками. В 1963 году Фонд Форда предоставил грант на сумму в 7,7 млн. долларов восьми балетным труппам с целью помочь становлению национального балета в США. Львиная доля этих денег (5,9 млн. долларов) досталась "Нью-Йорк сити балле", из них 2,2 млн. - Школе американского балета.
Это дало возможность Школе проводить просмотры детей, отыскивать наиболее одаренных и предоставлять им стипендии. "Нью-Йорк сити балле" и Школа американского балета базируются на эстетике Баланчина, который может считаться прямым наследником М.Петипа. Его балеты восприняли классическую традицию во всем ее богатстве, но одновременно сам Баланчин в своих постановках отразил и такие, свойственные американским артистам качества, как динамизм и атлетизм.
Хотя мужчины в его балетах, в частности Андре Эглевский (1917-1977) в 1950-х годах или Эдуард Виллела (р. 1936) в 1960-х, получили возможность продемонстрировать свои достижения, основное внимание Баланчин уделял балеринам. Мелисия Хайден (р. 1923), Мария Толчиф (р. 1925), Дайана Адамс (1926-1993), Танакиль Ле Клер (р. 1929), Виолет Верди (р. 1933), Аллегра Кент (р. 1938). Карин фон Арольдинген (р. 1941), Патрисия Макбрайд (р. 1942), Сьюзен Фаррелл (р. 1945) и Меррилл Эшли (р. 1950) - лишь немногие из тех, для кого он создавал балеты на протяжении всей своей долгой карьеры. Ориентируясь на их дарования, прославляя их, он одновременно ставил перед ними цели, требовавшие беспрестанного совершенствования техники и повышения мастерства.
Наследие Баланчина включает более 400 произведений. Они весьма разнообразны по жанру: от повествовательных балетов, таких, как Орфей (музыка Стравинского, 1948), Щелкунчик (1954) или Дон Кихот (1965, музыка Набокова), до хореографических интерпретаций музыки без опоры на сюжет: Четыре темперамента (музыка П.Хиндемита, 1946), Симфония до мажор (на музыку Ж.Бизе - другое название - Хрустальный дворец, 1947) или Песни любви - вальсы (на музыку И.Брамса, 1960). Сущность его творчества - полное слияние музыки и хореографии - в наибольшей степени раскрылась в балете Агон, который ставился в тесном сотрудничестве с автором музыки - Стравинским. Балет идет без декораций, артисты одеты в однотонные трико.
Акробатические движения, построения, в которых нарушены традиционная прямизна линий, наряду с непривычной стремительностью исполнения, без малейших усилий вписываются в текст классического танца; в этом смысле Агон можно считать эталонным для баланчиновского балета. Убеждение Баланчина, что именно музыка является главным источником вдохновения при создании танца, привело к организации труппой "Нью-Йорк сити балле" нескольких фестивалей: Стравинского (в 1937, 1972 и 1982), Равеля (1975) и Чайковского (1981).
Влияние Баланчина на мировой балет трудно переоценить. Его представление о самодостаточности танца, не нуждающегося в помощи литературного сюжета, декораций и костюмов, его убеждение, что первостепенную роль играет взаимодействие музыки и танца, - выделили его из круга современников и явились причиной его огромного влияния на хореографов следующего поколения.
Балеты Баланчина повсеместно заняли ведущее положение в репертуаре и, равно как и балеты Петипа, задавали критерии исполнительства. Танцовщики его труппы возглавили большинство балетных коллективов в США. В 1986 был основан Фонд Джорджа Баланчина (George Balanchine Trust), задача которого - наблюдать за тем, чтобы произведения Баланчина исполнялись без искажений. Хотя "Нью-Йорк сити балле" иногда приглашал для постановки балетов и других хореографов, например Энтони Тюдора (1908-1987) или Фредерика Аштона (1904-1988), репертуар труппы состоял главным образом из работ Баланчина, к которым начиная с 1949, добавились постановки Джерома Роббинса (1918-1998).
Мастерски построенные балеты Роббинса включают Клетку (на музыку Базельского концерта для струнных Стравинского, 1951), новую редакцию Послеполуденного отдыха фавна (1953), Концерт (на музыку Шопена, 1956). Они несомненно обогатили репертуар труппы, расширив его диапазон за счет произведений с сильным театральным началом. В 1950-1960-х годах Роббинс много работал на Бродвее, а в конце 1950-х основал собственную труппу "Балет США".
В 1969 он вернулся в "Нью-Йорк сити балле", и его Танцы на вечеринке на музыку Шопена стали выражением современного понимания романтизма. На протяжении 1970-х и 1980-х годов Роббинс продолжал ставить для труппы.
В числе его работ- хореографическая версия Гольдберг-вариаций Баха (1971) и бесхитростное повествование о жизни человека, близкое японскому театру но, под названием Водяная мельница (The Watermill, музыка Тейджи Ито, 1972), где в качестве исполнителя прославился Эдуард Виллела.
После смерти Баланчина (1983) во главе труппы встали два руководителя - Роббинс и Питер Мартинс (р. 1946), датский танцовщик, с 1970 работавший в "Нью-Йорк сити балле". Мартинс как хореограф впервые заявил о себе в 1978, поставив Ночь в сценическом освещении (Calcium Light Night, на музыку Чарлза Айвза). Кроме того, он поставил несколько балетов на музыку, заказанную композитору Майклу Торпу: Экстатический оранжевый (Ecstatic Orange, 1987), Черное и белое (1986), Эхо (1989), Пепел (1991). Работы Мартинса в какой-то мере продолжают разрабатывавшийся Баланчина тип джазового балета, но они связаны и с исканиями современных хореографов, таких как Уильям Форсайт (р. 1949).
В 1991 Мартинс поставил Спящую красавицу всю целиком, без сокращений (на Западе она обычно шла в сокращенном варианте). "Нью-Йорк сити балле" подготовил в 1988 Фестиваль американской музыки. В 1989 прошли представления в честь Роббинса, который в том году вышел из состава руководства труппой. В 1993 состоялось особое Празднование памяти Баланчина, где на протяжении десяти недель показывались все его балеты (в хронологическом порядке). Под руководством Мартинса был усилен мужской состав труппы, куда вошли Дамиан Вёцель (р. 1967), Питер Боаль (р. 1966), датчанин Николай Хюббе (р. 1968), по уровню таланта не уступающие балеринам Кире Николс (р. 1958) и Дарси Кистлер (р. 1964). Американ балле тиэтр. В 1939 Люсия Чейз (1897-1986), богатая вдова, занимавшаяся с М.Мордкиным классическим танцем, вместе с антрепренером Ричардом Плезантом (1906-1961) и художником Оливером Смитом (1918-1994) создала балетную труппу, которая поначалу получила название "Балле тиэтр", а в 1956 - "Американ балле тиэтр". Первый спектакль труппы состоялся в январе 1940.
В первые годы исполнялись традиционные балеты, такие как Сильфиды (Шопениана) Фокина, а также постановки, использовавшие современный и этнический танец. Для обогащения репертуара Чейз привлекала разных хореографов, в том числе Фокина и Баланчина. В репертуар были включены, в частности, поставленные для других коллективов балеты Родео Агнес де Милль и Парень Билли Юджина Лоринга (оба на музыку А.Копленда). Невозможно представить себе "Американ балле тиэтр" без драматических балетов английского хореографа Энтони Тюдора. Тюдор начал карьеру хореографа в английской труппе "Балле Рамбер" в Лондоне, но, когда в 1939 Аштон вежливо отверг приглашение американского театра, Тюдор, на которого пал выбор, приехал в США вместе с танцовщиком Хью Лэнгом (1911-1988).
Обогащая язык балетного спектакля за счет использования бытовых жестов, Тюдор добивался от танцовщиков подчеркнутого драматизма. Движения рождались как бы самим телом; вспыхнувшая страсть неожиданно гасла, когда тело, противясь нахлынувшим разрушительным эмоциям, замирало в неподвижности. Что же касается виртуозной техники, то, абсолютно необходимая для исполнения балетов Тюдора, она тем не менее никак не демонстрировалась.
В балете Сиреневый сад (на музыку Э.Шоссона, 1936) действие протекало в пышном английском саду, где молодая женщина прощалась с любимым перед свадьбой, на которую ее вынудили согласиться. Мрачные элегии (на музыку Песен об умерших детях Г.Малера, 1937) - это скорбный траурный ритуал в крестьянской общине; здесь для передачи глубочайшей скорби использованы элементы народных танцев и простые бытовые жесты. Оба балета были поставлены для труппы "Балле Рамбер" еще до того как Тюдор переехал в США. В 1942 он поставил Огненный столп на музыку струнного секстета Просветленная ночь А.Шёнберга, где душевное состояние девушки, вынужденной подавлять свои чувства, было передано с неподражаемым драматизмом ведущей балериной "Американ балле тиэтр" Норой Кей (1920-1987).
Тюдор прославился спектаклями на социальные и психологические темы, к которым традиционный балетный театр, как правило, не обращался. Лишь последняя его работа Листья вянут (1975, на музыку А.Дворжака) была бессюжетном этюдом в романтическом стиле, как он понимался в 20 в. Тюдор был не только плодовитым балетмейстером, но художником. который оказал огромное влияние на несколько поколений зрителей, танцовщиков и хореографов. После его смерти в 1987 был основан Фонд Тюдора (The Tudor Trust) для наблюдения за постановками балетов Тюдора по всему миру. Чейз давала возможность ставить спектакли танцовщикам своей труппы.
В 1944 году Роббинс поставил одноактный балет с музыкой Л.Бернстайна Свободны как воздух (Fancy free, в России был показан под названием Матросы на берегу), о любовных приключениях трех матросов, вышедших на берег в Нью-Йорке. В 1967 Элиот Фелд (р. 1942) поставил балет Предвестник на музыку Пятого фортепианного концерта Прокофьева. В 1960-х и 1970-х годах труппа исполняла также балеты Глена Тетли (р. 1926), Кеннета Макмиллана (1929-1992) и Биргит Кульберг (р. 1908). В 1976 Туайла Тарп (р. 1942), работавшая в стиле танца модерн, поставила для эмигрировавшего из Советского Союза танцовщика Михаила Барышникова (р. 1948) имевший огромный успех балет От слова к делу (Push comes to Shove, на музыку Й.Гайдна и Джозефа Лэмба), где, наряду со свойственными ему силой и стремительностью исполнения, выявился его недюжинный комедийный дар.
Разнообразие репертуара "Американ балле тиэтр" требовало присутствия в труппе танцовщиков, обладающих как блестящей классической техникой, так и драматическим талантом. В ранние годы это были Алисия Алонсо (р. 1921), Нора Кей, Джон Криза (1919-1975), Игорь Юскевич (1912-1994) и Алисия Маркова (р. 1910); за ними последовали Тони Ландер (1931-1985, Салли Уилсон (р. 1932), Брюс Маркс (р. 1937), Рой Фернандес (1929-1980), Лупе Серрано (р. 1930), Скотт Дуглас (1927-1996), Синтия Грегори (р. 1946), Мартина Ван Хамель (р. 1945), Фернандо Бухонес (р. 1955) и Гелси Керкленд (р. 1952). Чейз принимала в труппу танцовщиков из разных американских школ, а также приглашала в качестве гостей артистов из других стран.
В их числе были как русские, покинувшие Советский Союз, - Наталья Макарова (р. 1940) и Рудольф Нуреев (1938-1993), так и датчанин Эрик Брун, итальянка Карла Фраччи (р. 1936) и венгр Айван Надь (р. 1943). Барышников был художественным руководителей труппы "Американ балле тиэтр" в 1980-1989. Он не считал нужным приглашать иностранных знаменитостей, предпочитая выдвигать артистов, работавших в труппе: в их числе Аманда Маккерроу (р. 1963), Сюзан Джаффе (р. 1962), Хулио Бокка (р. 1967), Джули Кент (р. 1969). Он приглашал также хореографов, работающих в стиле танца модерн для постановки новых произведений; наиболее успешной оказалась в 1988 работа Марка Морриса (р. 1955) Пей за меня только глазами (Drink to Me Оnly With Thine Eyes) на музыку фортепьянных пьес В.Томсона, несколько напоминающая балеты Джерома Роббинса на фортепьянную музыку - Танцы на вечеринке и Гольдберг-вариации, она исполнялась, как и балеты Роббинса, целым ансамблем танцовщиков. Барышников пригласил Макмиллана (в качестве художественного советника) и поставил его многоактный балет Ромео и Джульетта.
После того как Барышников отошел от дел в 1989, короткое время труппой руководила Джейн Херманн (р. 1937), а в 1992 руководство принял бывший танцовщик "Американ балле тиэтр" Кевин Маккензи (р. 1954). Другие американские труппы. Известность получили также другие, базирующиеся в Нью-Йорке, меньшие по составу балетные труппы. "Джоффри балле", основанный в 1956 Робертом Джоффри (1930-1988) ставит экспериментальные балеты, а также возобновления знаменитых работ таких хореографов 20 в., как Аштон, Курт Йоосс (1901-1979), Мясин, Нижинский, Роббинс и Фокин. Балет Джоффри Астарта (на музыку Кроме Сиркюса для группы ударных инструментов, 1967), где использовались кинокадры и поп-музыка, был одним из ранних рок-балетов, как и Троица (на музыку Лео Холдбриджа, 1970), балет, поставленный вторым руководителем труппы - Джералдом Арпино (р. 1928). В 1973 Туайла Тарп, объединив свою труппу танца модерн с труппой Джоффри, создала оригинальный спектакль Deuce Coupe на музыку группы "Бич бойз".
Когда Джоффри скончался (1988), труппу возглавил Арпино. Некоторое время в результате борьбы за руководство существование коллектива находилось под угрозой, но в 1992 мир был восстановлен после постановки спектакля Рекламные щиты (Billboards), куда вошли работы четырех хореографов на музыку рок-звезды Принса. В 1996 в состав труппы были внесены изменения, и она перебазировалась в Чикаго. "Танцевальный театр Гарлема" создан в 1968 бывшим танцовщиком "Нью-Йорк сити балле" Артуром Митчеллом (р. 1934), в знак протеста против убийства Мартина Лютера Кинга, а выступать труппа начала в 1971.
Стремясь доказать, что танцовщики афроамериканского происхождения являются неотъемлемой частью мира балета, Митчелл включил в репертуар балеты Жизель, Лебединое озеро, постановки Баланчина, Шехеразаду Фокина, а также работы многих хореографов-афроамериканцев. Для "Танцевального театра Гарлема" одной из важных сторон деятельности является связь с местным населением в США, Южной Африке, а также (совместно с лондонским Королевским балетом) в Англии: он стремится привлекать молодых черных танцовщиков в балет.
Другая нью-йоркская труппа "Балле Фелд/Нью-Йорк" была основана Элиотом Фелдом (р. 1943). Она имеет базой "Нью-Йорк ситиз Джойс тиэтр", но также много разъезжает по стране. Национальный фонд искусств и гуманитарных наук, учрежденный в 1965, способствовал организации профессиональных балетных трупп по всей территории США и помогал местным коллективам подняться до профессионального уровня.
Для этих трупп типичен репертуар, включающий произведения классики 19 в., известные балеты хореографов 20 в. и работы местных балетмейстеров. Большинство региональных трупп выживают за счет постановок балета Щелкунчик, который идет непрерывно в течение нескольких недель в период Рождественских праздников. Хельги Томассон (р. 1942), руководитель "Сан-Франциско балле", добился немалого успеха, развив дарование балерины Элизабет Лоскавио (р. 1969).
Брюс Маркс в "Бостон балле" поддерживает постоянные контакты с русскими репетиторами и организовал балетный конкурс. Руководители "Тулса балле тиэтр" Моселин Ларкин (р. 1925) и Роман Ясинский (1912-1991) восстанавливали утерянные балеты из репертуара "Русского балета Монте-Карло". Почти во всех городах США созданы балетные труппы, и они нередко обмениваются танцовщиками, декорациями, костюмами, пользуются одними и теми же административными службами.


Борев Ю.Б. Эстетика. 2002

11. Хореография. Хореография — искусство танца, эхо музыки. Та­нец — мелодичный и ритмичный звук, ставший мелодичным и ритмич­ным движением человеческого тела, раскрывающим характеры людей, их чувства и мысли о мире.
Основоположник балетного театра Ж. Ж. Новерр писал: «Вложенная в нас природой любовь к музыке влечет за собой и любовь к танцу. Оба эти искусства — братья, неотдели­мые друг от друга. Нежные и гармонические интонации одного из них вызывают приятные выразительные движения другого, сообща они являют увлекательные картины зрению и слуху» (Новерр. 1965. С. 236-237).
Эмоциональное состояние человека выражается не только в голосе, но и в жестикуляции, характере движений. Даже походка человека может быть стремительна, радостна, печальна. Движения человека в повседнев­ной жизни и в труде всегда так или иначе эмоционально интонированы, выразительны и подчинены определенному ритму. Танец веками шлифо­вал и обобщал эти выразительные движения, и в результате возникла це­лая система собственно хореографических движений, свой художествен­но выразительный язык пластики человеческого тела. Танец национален, он в обобщенной форме выражает характер народа.
Хореографический образ возникает из музыкально-ритмичных выра­зительных движений, дополняемых порой пантомимой, иногда специаль­ным костюмом и вещами из бытового, трудового или военного обихода (оружие, платки, посуда и т. п.).
Как и музыка, танец сначала существовал одновременно как творче­ское и исполнительское искусство (автор одновременно был и исполните­лем). Позже, с усложнением этих искусств, сочинитель (композитор, ба­летмейстер) отделился от исполнителя (музыканта, танцора).
Танец возник в древности, еще в условиях первобытно-общинного строя, как художественное воспроизведение охоты и других трудовых процессов, как средство объединения людей. У австралийских племен танцем отмечалось всякое важное общественное событие, требующее массового действия: сбор плодов, начало охоты, посвящение юношей, во­енный поход. Танец в древнейшей культуре, так же как изобразительная и вербальная деятельность, имел не художественно-образный, а ритуаль­но-магический характер. Этнографические наблюдения подтверждают археологические данные и свидетельствуют, что в пляске обитатели Юж­ной Африки стремятся магическим действием «умилостивить» зверя и путем волшебства заставить дичь угодить в руки охотника. Здесь насчи­тывается свыше двадцати видов плясок, которые носят имена шакала, ор­ла, слона и других зверей и птиц. Туземец имитирует в танце характерные движения и повадки этих животных или изображает охотничью опера­цию по добыче зверя, сближая, а порой и отождествляя себя с ним. Пля­ску сопровождает пение хора. Танцоры же издают звукоподражательные крики, свойственные имитируемому животному. Все участники обрядо­вой пляски ряжены. Такова современная этнографическая картина древ­него ритуала овладения зверем. Эта картина дополняет и оживляет свой живописный аналог, обнаруженный археологами.
В Древней Индии был разработан ряд стилей и школ танца с различной мимикой и выразительными движениями.
В Древнем Египте танец входил в ритуал богослужения.
У древних греков танец был также частью культа (экстатические пля­ски в честь Диониса, плавные, торжественные — в честь Аполлона). Кро­ме того, были развиты «пиррические» (военные), атлетические (спортив­ные) танцы, способствовавшие гармоничному воспитанию молодежи. Лукиан так описывает греческие танцы: «...ведет хоровод юноша, выпол­няющий сильные плясовые движения, — позднее они пригодятся ему на войне; за ним следует девушка, поучающая женский пол вести хоровод благопристойно, и таким образом как бы сплетается цепь из скромности и доблести». В Древнем Риме танец имел государственное значение; среди высшего слоя общества были также распространены развлекательные (в частности, эротические) танцы.
В Средние века искусство хореографии подвергалось гонениям офи­циальных властей, но танцевальное искусство продолжало развиваться: без народных плясок не обходился карнавал, без строгих танцев — празднество в замке.
В эпоху Возрождения танец обретает популярность. В XVI в. возника­ют новые танцевальные формы: павана, аллеманда (медленные), куранта, гальярда, вольта (быстрые). Во Франции (1661) создается Королевская академия танца, разработавшая систему классической хореографии, кото­рая сыграла большую роль в развитии балетного искусства.
В конце XVII в. в Европе приобретают широкое распространение баль­ные танцы — гавот, полонез, менуэт.
В XVIII в. танец обретает развитую сюжетно-драматическую эмоцио­нальную основу, что способствует развитию балетного искусства. Фран­цузское Просвещение (Вольтер, Руссо, Дидро), выступая против аристок­ратии и абсолютизма, подвергло критике и их порождение — придворный балет — за украшательство, культ бездумного развлечения, фриволь­ность, штампы, рутину.
В России первое танцевальное представление «Балет об Орфее и Ев­ридике» было поставлено в 1673 г. Музыка Чайковского, творчество ба­летмейстеров Ш. Дидло и М. Петипа, танцевальное искусство А. Истоми­ной и А. Павловой, сформировали самобытную школу русского балета. Отечественный балет продолжил традиции прошлого в творчестве Ни­жинского, Улановой, Лепешинской, Нуриева, Плисецкой, Чабукиани. В современном балете хореография органически связана с действием; это не украшение сюжета танцевальными номерами, а выявление его интони­рованной пластикой человеческих движений.
Современные бытовые молодежные танцы: в середине ХХ в. — фок­строт, румба, танго, в 60-х гг. — твист, рок-н-ролл, летка-енка, далее прин­ципом молодежного танца стала вседозволенность ритмических движе­ний под громкую выразительно ритмичную музыку.
 
 
Шихи Гейл. Возрастные кризисы
 
В Калифорнии я наблюдала за женщиной, которая была моим кумиром в девичестве. Прима-балерина известной американской балетной труппы, она выступала по всему миру и в сорокалетнем возрасте продолжала танцевать. Я помнила красоту ее черт, черный шиньон волос, мускулистое напряженное тело. Люди говорили мне, что сейчас она счастливо вышла замуж. Я позвонила ей, и она без колебаний пригласила меня к себе.
Дверь мне открыла коренастая женщина с крашеными рыжими волосами. Ее свободная блузка выбилась из-под пояса широких брюк. Я назвала имя балерины. Женщина протянула мне руку и улыбнулась. Это была она.
Пройдя в солярий, наполненный солнечным светом, она предложила мне сэндвич. К нам присоединился ее муж, скромный жизнерадостный мужчина лет на десять младше ее. Они прекрасно подходили друг другу, и было очевидно, что они говорят друг другу комплименты. Когда я спросила их об этом, балерина улыбнулась, а ее муж ответил: “Я не могу себе представить жизнь без такой жены, как Ирина”.
Они рассказали мне свою историю. Оба эти человека нашли в себе силы переступить те барьеры, которые им препятствовали и сдерживали их раньше. На примере танцовщицы можно ясно проследить переключение в сорокалетнем возрасте и то, как оно проявляется в женщине, сделавшей карьеру, но никогда не имевшей детей.
Тело было ее инструментом. Она начала тренировать мышцы до того, как научилась читать. Кости росли, а она без устали делала наклоны и мучила себя у балетной стойки. Она должна была угождать своим русским родителям. Друзья и удовольствия были оставлены на потом. Сначала она должна была закончить обучение. Ирина подчинилась дисциплине. Ее любовником был ее талант, и она была ему моногамно верна, проводя утро у балетной стойки, после обеда репетируя, а вечером участвуя в представлениях. Все знают, как самозабвенно трудятся танцовщицы и профессиональные гимнасты, любуясь своим телом.
“Одна часть меня была счастлива, а другая не могла этого принять, — говорит она. — Я всегда разрывалась между мыслями о карьере и тем, что, по моему мнению, должна иметь женщина”.
Пути супругов раньше несколько раз пересекались, но на короткий период. Впервые они встретились в то время, когда она была еще молода и озабочена приличиями. Когда они встретились во второй раз, она уже была известной балериной, и он стал ее другом-поклонником. Однако им часто приходилось расставаться. То она, то он был на гастролях, и они какое-то время не виделись. А она хотела стабильности, хотела остановиться, обзавестись домом. Эта неопределенная идея дома не приходила, да и не могла прийти ей в голову раньше. В течение сорока лет ее двигало вперед честолюбие.
“Я не чувствовала этого до тех пор, пока не достигла определенного периода зрелости. Тогда я поняла, что кроме бесконечных театральных ролей в жизни должно быть еще что-то”.
Они вместе были на гастролях — почитаемая всеми прима-балерина и задумчивый молодой хореограф.
Они закончили выступления в оперном театре Колоньи и, с трудом втиснувшись в его маленький автомобиль, поехали в Рим. Дорога до Рима заняла всю ночь.
Когда они проезжали через Блэк Форест, она выбросила свои пуанты. Со смехом она стала выбрасывать все оставшиеся семьдесят пар пуантов. “Вот так! — подумала она. — Наконец с этим покончено!” Он был безумно рад этому.
В Риме она оставила балет и с жадностью принялась наверстывать упущенное, не отказывая себе ни в чем, и сразу начала резко поправляться. Через несколько недель она стала походить на пышку. Это доставляло ей удовольствие — она всегда подсознательно к этому стремилась. Каждое утро он уходил работать над постановкой очередного балета, а она ничего не делала и была безмерно счастлива. Он восхищался тем, как все у них замечательно, и считал, что они подходят друг другу. Их брак поразил всех друзей. Те зло шутили над ними: “Надеемся, вам всю жизнь будет нравиться танцевать вместе”. А как же ее карьера? А разница в возрасте? Это просто безумие! Окружающие предполагали, что их брак будет недолгим.
Они живут вместе уже пятнадцать лет.
В середине жизни, когда наши ранее подавляемые чувства требуют выражения, мы должны отказаться от навязанной нам структуры жизни. Часто процесс начинается с полного разрушения и продолжается, движимый фантазией, до другого экстремального значения. Балерина бросает вызов дисциплине, которой подчинялась сорок лет, и наслаждается тем, что набирает вес и становится ленивой. Однако скоро новое экстремальное значение достигает предела. Многие из нас вынуждены двигаться назад и вперед между такими экстремальными значениями до тех пор, пока не будет найден путь объединения важных частей нашего внутреннего “я” в одно целое.
Прежде Ирина даже не мечтала о таком романтическом бегстве от обязательств. Однако она не могла навсегда удовлетвориться тем, что ничего не делает и смотрит телефильмы, пока муж не придет домой. Она должна включить себя в творческий процесс. Но этот творческий процесс не должен был разрушить ту гармонию семейной жизни, которой она так дорожила. Она уже испытала поверхностность прежней жизни. Преданная душой и телом балету, она достигала успехов благодаря своим способностям, но ей не пришлось бороться с собой, когда она принимала решение оставить балет. Это было ее личное решение.
“У меня была карьера, и я чувствовала себя надежно защищенной, — говорит Ирина. — Мне, по всей вероятности, не оставалось ничего иного, кроме как продолжать это. Но я сделала другой выбор”.
Она стала ассистентом мужа, творческим наставником, духовной матерью, впрочем, называйте, как вам угодно. Он избрал для себя новый путь и стал директором театра. Она всегда поддерживала его: в поисках места гастролей, в подборе актерского состава и реквизита, в предсказаниях, будет аншлаг или нет. С самого начала он во всем полагался на нее.
“Если я не мог определиться, у нее всегда находилось разумное решение, — говорит он. — У Ирины великолепный вкус.
Ей удается показать мне все в перспективе. Иногда я слишком самокритичен, а она спасает меня от самобичевания. Я люблю поспать подольше, а Ирина просыпается рано”. Он усмехается. При всех ее достоинствах он не чувствует себя полностью зависимым от нее. Может быть, поэтому он не хочет никуда уезжать без нее. “Мы никогда не расстаемся”.
Ирина подтверждает их экстраординарную закрытость. Нетрудно увидеть, куда направлен ее инстинкт продолжения рода. “У нас нет детей, поэтому мы заботимся друг о друге. Мы постоянно находимся дома”. Они понимают друг друга с полуслова. Муж смотрит на Ирину: “Не знаю, говорил ли я это, но только благодаря тебе я научился реализовывать свой потенциал и выполнять то, на что способен”.
“Он мой начальник, а я ему подчиняюсь. Это прекрасно”.
“Она это просто так говорит”.
“Но я не смогла бы сделать все то, что делаешь ты”.
“Это другое дело, — соглашается он. Теперь его самолюбие удовлетворено. И они легко переходят на игривый тон. — Скажем так: я делаю всю тяжелую работу, а она может позволить себе пробежаться по магазинам”.
“А теперь я хочу вернуться к своим делам, поскольку меня все это утомило”.
Вот так обстоят дела в этой семье.


Лазарус А. Мысленным взором. 2000

Еще один тип связанной с работой ситуации можно описать как “со щитом или на щите”. Другими словами: “Или я стану ПЕРВЫМ, или никем!” Так, одна балерина решила стать примой. У нее была репутация отличной танцовщицы, но при этом ее шансы считаться выдающейся в такой области, как балет, где очень жесткая конкуренция, были не очень велики. Узнав больше о ее ситуации, я понял, что в лучшем случае она могла бы стать обычной танцовщицей в хорошей балетной труппе, но никак не примой. Что произошло бы с ней, если бы в ближайшем будущем она поняла, что стать солисткой ей не удастся?
Чтобы предотвратить эмоциональную катастрофу, я посоветовал ей представить себе разные отборочные просмотры, на которых она прекрасно танцевала, но судьи предпочитали ей кого-то другого. Ее первой реакцией на эти негативные образы была тревога, за которой следовало уныние. Она восклицала: “Я должны дойти до вершины!” Я говорил ей о том, что любой человек, предъявляющий к себе столь высокие требования, подвергает свою эмоциональную стабильность серьезному риску. Да, было бы замечательно, если бы ее мечта реализовалась, но при этом ей необходимо было подумать о другом приложении своих амбиций, чтобы избежать трагедии, которая может произойти, если ее желания не осуществятся. Она была упрямой, но, в конце концов, сквозь ее защиту пробился такой образ: “Если я не смогу танцевать сама, то открою балетную школу и буду учить балету детей”. Я предложил ей усилить этот образ, подробно обдумав, как она устроит школу, кого пригласит в ней работать, как будет обучать детей и какое дополнительное образование ей необходимо для этого получить. Она по-прежнему не оставляет мысли о том, чтобы стать великой балериной, но сейчас я более спокоен за нее, потому что, если это ей не удастся, у нее уже есть в запасе приемлемая альтернатива.


Ямпольский Михаил. Наблюдатель. 2000

Странным образом атомистская концепция По с поправкой в сторону идей Валери обнаруживается у Малларме и в совершенно неожиданном корпусе текстов: в коротких эссе о балете.
В конце XIX века культурный миф балета претерпевает совершенно неожиданные превращения. На балет начинают проецироваться идеи, необычайно далекие от искусства танца, например, квазифизические идеи, некоторые постулаты механики или теории вероятности.
Танец, например, в этом контексте может оцениваться с точки зрения того неустойчивого равновесия, которое тесно связано с идеей случайности. При этом такое неустойчивое равновесие тела понимается совершенно в духе механики. Так, Валери пишет: "Доктор, я поистине страдаю, когда вижу танцовщицу, балансирующую на большом пальце ноги. <...> Это должно быть великолепной анатомо-физиологической конструкцией... Леонардо, должно быть, с удовольствием изобразил бы ее без кожи, в ее тройственном неустойчивом равновесии... Доктор: Почему тройственном? Я: Еще бы... оно касается мускулов, нервов и механики".
Неустойчивое равновесие рассматривается как первый пример воздействия случайности у Пуанкаре: "Первым примером, на котором мы остановимся, будет вопрос о неустойчивом равновесии. Если конус стоит на вершине, то мы знаем, что он опрокинется, но мы не знаем в какую сторону Нам представляется, что это полностью зависит от случая".
Но еще раньше женское тело и конус были сближены Вилье де Лиль Адамом в романе "Будущая Ева" (1886). Роман повествовал о создании искусственной женщины, механического андроида, абсолютно не отличимого от своего живого прототипа. Пятая книга романа была целиком посвящена механике новой Галатеи, и в ней имелась специальная глава "Равновесие" — понятие, которому Вилье придавал особое значение. Равновесие будущей Евы — Адали поддерживалось с помощью сложного механизма, включавшего конические сосуды, заполненные ртутью. При движении ртуть перекачивалась в направлении, противоположном наклону андроида, и заполняла соответствующий конус, фиксировавший своим острием центр тяжести в пределах опоры Адали. Таким образом, конус и равновесие тела вступали в сложный механический баланс, благодаря которому "вы можете видеть, как Адали собирает цветы, не падая", — заключает главу Вилье.
Одна из самых удивительных хореографических метафор находится в трактате Иполита Тэна "Об уме" (1870). Здесь с танцем ассоциируются молекулярные колебания внутри нервных клеток. Эта гигантская метафора, развернутая на восьми страницах, начинается следующим образом: "...сотрясение клетки является внутренним движением ее молекул, и это движение может быть очень точно уподоблено танцевальной фигуре, где очень различные и очень многочисленные молекулы, каждая, описав с определенной скоростью линию некоторой длины и формы, возвращается в исходное положение, за исключением тех усталых танцовщиков, которые сбились с пути.."
И далее Тэн описывает все молекулярные микродвижения как смешение менуэта и вальса, как запутаннейшую микроскопическую хореографию. Он почему-то насчитывает 24 вида молекулярных танцев, определяющих все богатство нашего чувственного мира.
Но главным во всей этой эксцентричной хореографической метафорике является соединение произвольности и закономерности, напоминающее эссе о равновесии Адали, чьи разнонаправленные движения создают финальный неустойчивый эквилибр.
В своей метафоре танца Малларме идет гораздо дальше Тэна. Он просто заявляет, что танцовщица — это "не женщина, но метафора", "магический предмет, брызжущий из точки", она являет зрелище "газообразной формы вокруг остановки на одной ноге". В какой-то момент вся эта квазифизическая метафорика неожиданно приобретает космогонический характер в духе "Эврики". В танцовщице Малларме усматривает образное воплощение двух сил — притяжения и отталкивания, центростремительной и центробежной.
"Распространение осуществляется тем же жестом, который все стягивает к центру: центр и периферия оказываются вдруг динамически объединенными и примиренными. Здесь все происхождение. Дрожание ткани кажется одновременно истекающим из единого источника и струящимся извне к очагу концентрации"".
Существенно, что истекание из центра и возвращение к центру в танцовщице происходят одновременно, так же как прыжок и падение. По существу, балерина есть метафорическое воплощение единства противоположностей, но единства не столько в духе логической диалектики, сколько динамического равновесия, гармонии, которую Ж.-П. Ришар справедливо называет "вероятностностью".
Этот противоречивый динамизм распространяется на несколько областей. Одна из них — психология. Согласно Малларме, тот же процесс иррадиации и концентрации характерен для эмоций: "...всякая эмоция выходит из нас, расширяет среду и к вам направлена, в нас же воплощается". Эта концепция двунаправленности эмоций и двунаправленности движений ляжет в основу теории выразительности Дельсарта, оказавшей большое влияние на театральную культуру началаXX века.
Другая область приложения идеи противонаправленного динамизма — модель всеобщего генезиса. Фраза Малларме "все здесь происхождение" не случайна, потому что танцовщица понимается как источник всех феноменов, первофеномен мира. Продолжу уже процитированный фрагмент: "...танцовщица не женщина, но метафора, резюмирующая в себе один из элементарных аспектов нашей формы — меч, кубок, цветок и т. д., она не танцует, но выражает чудом своих ракурсов и порывов с помощью телесного письма то, на что бы понадобились целые прозаические главы, включающие диалог и описания..."
Речь идет о сотворении феноменов и одновременном создании нового внесловесного письма, описывающего генезис мира. Меч, кубок, цветок — это первичные формы мира, возникающие из танца. В ином месте Малларме возвращается к той же теме — порождению первофеноменов из вращательного движения танцовщицы: "В ужасающей ванне из тканей растворяется лучащаяся и холодная фигурантка — гимн некой вращательной теме, к которой тяготеет далеко разлетающаяся ткань, гигантские лепесток и бабочка, прибой ясного и стихийного свойства".
Бабочка, лепесток, прибой — из той же серии, что меч, кубок, цветок.
Позже, в 1902 году, Альфред Жарри буквально повторит метафору Малларме в статье "Баллистика танца", одновременно подчеркивая и динамический элемент и банальность этого истертого сравнения: "Когда женщина быстро вращается в вертикальном плане, ее юбка, отбрасываемая центробежной силой, заслуживает сравнения — что само по себе банально и ложно в иных обстоятельствах — с венчиком цветка, который, как известно, раскрывается навстречу солнцу, но никогда не в направлении к земле " 69.
Центробежная сила танца осмысливается Жарри в жанре некой "иронической механики":
"Мужчина и женщина перемещаются по кругу вокруг воображаемой оси, но может так случиться, что женщина на мгновение совпадет с осью вращения, в то время как ее партнер будет вращаться по окружности. Представим себе, что это случится на высокой скорости и что мужчина отпустит женщину из боязни, что та устала или из французской галантности: его с силой швырнет по касательной, и страшно подумать, что может из этого получиться".
Далее Жарри рекомендует окружать танцующих предохранительной сеткой и даже усматривает ее рудименты в диванах и креслах, расставленных вдоль стен танцевальной залы.
Вся эта поэтическая (у Малларме) или ироническая (у Жарри) механика и баллистика с очевидным космогоническим оттенком, проецируясь на танец, превращают танцовщицу из человеческого существа в механическую ось, машину, модель приложения физических сил и т. д. При этом в центр этого вращающегося микрокосма помещается все же живой субъект (в духе объяснительной поправки Валери к "Эврике"), дышащий, безостановочно вращающийся живой гироскоп. Хореографическая метафора, распространяясь на иные объекты и теряя непосредственную связь с танцем, приобретает постепенно все более отчетливый философский характер.




Балет: учебное видео, мастер-классы, документальное кино, вариации и спектакли
Балет: учебное видео, мастер-классы, документальное кино, вариации и спектакли Балет: учебное видео, мастер-классы, документальное кино, вариации и спектакли
Балет: учебное видео, мастер-классы, документальное кино, вариации и спектакли

© 2005-2009 plie.ru
Классы |  Артисты |  Спектакли |  Словарь |  Обучение |  Контакты

Система Orphus
Ошибка или нерабочая ссылка? - Выдели ее и нажми CTRL-ENTER!